miércoles, 12 de noviembre de 2014

Annie Leibovitz

«Soy una artista conceptual que utiliza la fotografía»

“Llevo en esto más de cuarenta años, me siento como una artista conceptual que utiliza la fotografía. Sobre todo desde que llegó la tecnología digital. Hay muchas posibilidades y disfruto probándolas todas. Me siento como una niña en una juguetería.
Mi obra gira entre el reportaje, la instantánea, las fotos familiares, las imágenes personales, los encargos del día a día para las revistas.
Cada situación, cada retrato es diferente y tienes que encararlo de distinta manera, yo siempre voy a las sesiones con una idea, pero si algo ocurre puede que sea interesante”.
Annie Leibovitz.


Una fotógrafa que ha borrado las fronteras entre lo comercial y lo artístico.
Annie es uno de los iconos de la fotografía contemporánea, y su vida baila entre los aviones que le llevan a retratar a las estrellas del momento y una frenética actividad en su estudio.

El documental de Annie Una vida a través de la cámara fue dirigido por su hermana Bárbara (2006), recorre tanto la obra como la vida de la fotógrafa responsable de algunas de las imágenes más representativas de los últimos 30 años. En él se revela la intimidad personal de la fotógrafa a través de sus imágenes como las tomadas a su compañera sentimental, la fallecida escritora y activista política, Susan Sontag. Aunque su vida profesional ha girado en torno al mundo de la música, la moda o el cine, su cámara también ha captado los horrores de la guerra como en sus viajes a Sarajevo o Ruanda.
Nació en 1949 y sus primeros acercamientos con la fotografía sucedieron cuando vivió en Filipinas, mientras su padre peleaba en Vietnam.  Annie Leibovitz (Waterbury, Connecticut, 1949) conoció el mundo del arte de la mano de su madre. De la mano que su madre arrastraba para llevarle a clases de danza cuando era un niña, en Washington, uno de los destinos que tuvo su padre, un oficial de la aviación estadounidense. Con el tiempo, los bailarines se convirtieron en uno de sus objetos favoritos en la fotografía. Su carrera en ese mundo nació casi a la vez que la revista «Rolling Stone», donde llegó como una «chica joven, inocente, de ojos curiosos, abierta al mundo», recuerda Leibovitz. Acabó firmando 142 portadas, la primera de ellas con un retrato de John Lennon. En 1983 se fue a llevar las riendas fotográficas del regreso de «Vanity Fair» y desde entonces colabora con este revista, y otras, como «Vogue». Por su objetivo han pasado, sin excepción, todas las personalidades de la música, la moda, el cine, la televisión, escritores, políticos, artistas… Mantuvo una relación sentimental con Susan Sontag desde 1989 hasta el fallecimiento de la escritora en 2004.

La carrera como fotógrafa musical para la Rolling Stone la abandonó en 1983, no sin antes de haber sido la cámara oficial de un tour de los Rolling Stones en 1975, y después de captar una de las fotos más icónicas de John Lennon, horas antes de ser asesinado por David Chapman: completamente desnudo, Lennon abraza a una totalmente vestida Yoko Ono, en posición fetal. Se dice que el músico reconoció esa pieza como la viva descripción de su relación con la artista oriental.
Su estilo directo y atrevido la llevaron a colaborar en Vanity Fair, en donde explotó de manera más continua el diálogo entre el lente de su cámara y la personalidad de los famosos que se incluyen entre las páginas de la revista, lo cual le mereció un premio Clío (otorgado en Estados Unidos a lo mejor del diseño y la publicidad) en 1987. En 1991 montó una exhibición en la National Portrait Gallery, de Londres, convirtiéndose en el segundo artista vivo y la primera mujer en tener una muestra en ese espacio.


Este contenido fue publicado originalmente por:
http://www.ocioenlinea.com/contenido/la-mirada-aguda-de-annie-leibovitz
http://www.abc.es/cultura/arte/20141006/abci-annie-leibovitz-libro-entrevista-201410042146.html
http://www.restosdecultura.com/2013/02/07/documentales-cultura-ver-recomendacion/
Para ver el excelente trabajo de Annie visita estos links:
http://alafoto.com/listing/thumbnails.php?album=2
http://www.culturainquieta.com/es/fotografia/item/1701-annie-leibovitz-retratos.html

http://translate.google.com.ec/translate?hl=es-419&sl=en&u=http://annieleibovitz.tumblr.com/&prev=/search%3Fq%3Dannie%2Bleibovitz%26es_sm%3D93%26biw%3D1242%26bih%3D606

Transitando Huellas

Nombre de la obra: Transitando huellas

Autor: Magdalena Proyect

Técnica: Fotografía en blanco y negro

Ubicación: Centro Cultural Bejamín Carrión.

Tipo de soporte: Madera

La muestra, realizada en el marco del Encuentro Internacional Mujeres en Escena- Tiempos de Magdalena, abarca instantes en las tablas o en estudio de actrices, directoras, bailarinas, coreógrafas, cantantes, dramaturgas, escritoras y realizadoras cinematográficas que datan de finales del siglo XVIII hasta la fecha.

Transitando Huellas” es una exposición fotográfica que recoge, a través de una mirada retrospectiva, la labor creativa de mujeres que han aportado al desarrollo de las artes y la cultura en el Ecuador.

Su pertenencia a un sexo, cuyos logros han sido históricamente ocultados no es lo que motiva la retrospectiva, sino la calidad del aporte de creadoras e intérpretes evidenciado de diferentes maneras durante décadas. Esta muestra, además, ha incluido las fotos de seis maestras españolas que forman parte de la red Magdalena Project, iniciativa que convoca a artistas escénicas de todo el mundo. A la cual ‘Mujeres en Escena’ se ha sumado ahora en su undécima edición.

En las imágenes fotográficas se ven en acción a intérpretes de larga trayectoria como María Beatriz Vergara, Irina Gamayunova, Valentina Pacheco, Susana Pautaso, Susana Nicolalde, Martha Ormaza, Elena Torres, Juana Guarderas, Toty Rodríguez, Juana Estrella o Yolanda Navas, entre otras.
Asimismo, están actrices de mediano recorrido, pero ya reconocidas, como Diana Borja, Astudillo o Raquel Rodríguez. Y, como una sorpresa, están las escritoras Gabriela Alemán, Alicia Yánez Cossío y Natasha Salguero Bravo. Quienes en algún momento colaboraron en la creación de piezas teatrales. La lista sería tan extensa como la cantidad de imágenes si se nombra a cada una de las artistas

No obstante, uno de los puntos flacos de la muestra es el soporte físico de las imágenes. Ya que su calidad le resta el poco brillo de las reproducciones. De ese modo, apreciar algunas de las fotografías se torna bastante monótono, y no precisamente por el duotono.
La muestra se exhibirá hasta el 24 de octubre de 2014, de lunes a viernes de 8:00 a 16:30. Entrada libre.


Este contenido ha sido publicado originalmente por Diario EL COMERCIO en la siguiente dirección:

http://www.elcomercio.com.ec/tendencias/recorrido-teatrofemenino-magdalenaproject-centroculturalbenjamincarrion-fotografias.html. Si está pensando en hacer uso del mismo, por favor, cite la fuente y haga un enlace hacia la nota original de donde usted ha tomado este contenido. ElComercio.com

KIMM

Nombre de la obra: KIMM Proyecto de investigación artística con tintes naturales al sur del Ecuador.

Autor: UNIVERSIDAD TÉCNICA PARTICULAR DE LOJA.

Técnica: pintura, marcador, tinta.

Tipo de soporte: cartulina acuarelable.

Ubicación de la exposición: Centro Cultural PUCE.

La prioridad de los investigadores es conservar el patrimonio natural y cultural que se encuentra en la provincia de Zamora Chinchipe de la comunidad el KIMM, al sur de la amazonia del Ecuador.
Al leer esta título, que corresponde a uno de los altos propósitos de los investigadores al momento de iniciar el estudio, la identificación y propiedades de las especies vegetales que crecen en la selva oriental ecuatoriana y occidental de la cuenca amazónica, suena a una especie de arrepentimiento tardío, arrepentimiento tardío digo porque nunca existió y no existe ni un solo ecuatoriano vivo que no haya pensado en aquel entonces en el oriente ecuatoriano y su riqueza como la panacea de todos los males que le aquejan y aquejaban ya al país, hasta que alguien dijo, si es que lo dijo, “el oriente es un mito”, es probable que haya pensado, que el oriente ecuatoriano es la solución de muchos de nuestros problemas, y es verdad, si trabajamos en él, trabajar, es preocuparse, es mirar, es culturizar, es criar, es educar, es vivir, es permanecer, es dar, es amar, no explotar, no extraer, no depredar, no vaciar, no robar, no matar. Desgraciadamente los hombres para los que se pretendió conservar el paraíso, ya no están, ya se fueron, cerraron las puertas de casa indecisas entre coloniales y shuaras, y tiraron la llave; lo que queda prácticamente es nada, pequeños campamentos de dos o tras casa, llenas de gente que solo espera la oportunidad de largarse de ahí, oportunidad que la van a tener en la explotación del cobre, los días están contados, los datos obtenidos son los últimos de lo ya pocos que esta gente conoce, los nuevos expulsados del paraíso abren otra época en la civilidad, su época urbana agresiva, huraña, inconfiable, desaparece, el paraíso vuelve a se el dueño de todos sus secretos y los hombre se tomarán el tiempo necesario, para volverse dueños de toda la nada, llenará sus pulmones y gritarán nuevamente; el oriente es un mito, después lo urbanizarán.


Arq. José Beltrán.

Laberintos


Nombre de la obra: Laberintos

Autor: Freddy Coello

Técnica:
Pintura en óleo

Tipo de soporte:
Lienzo

Ubicación de la exposición:
Centro Cultural PUCE.

Te propongo un viaje a través de las emociones.

Laberintos está dividido en cuatro secciones: alba, cenit, ocaso y nadir. Las emociones que en cada una se muestran están agrupadas según mi percepción sobre ellas. En un extremo, al inicio, están las que considero más puras, más nobles o luminosas. Al final, las más fuertes, duras u obscuras; de ahí parte la relación con la ubicación del sol. De todas maneras, darles un adjetivo, ha sido solamente un ejercicio personal. No hay emociones buenas ni malas, todas son parte de nuestro diario vivir, de lo que somos.
Cada cuadro te dirá algo que va más allá de su título, despertará en ti más emociones, y entonces, finalmente, entrarás en tu propio laberinto.

Freddy Coello

Laberintos es el primer proyecto pictórico de Freddy Coello, que con la colaboración de 24 modelos y actrices, ha logrado combinar su propia concepción de las emociones con la representación femenina. Compuesta por 24 retratos en óleo sobre tela, en formato 100 por 100 cm., la exposición se complementa con la obra de teatro Súbase al vuelo, a cargo del grupo Atrapasueños, donde también participa el autor. Bajo la misma temática de los sentimientos y emociones, los espectadores podrán reflexionar sobre la soledad, la ilusión, el miedo y la esperanza. Están acompañadas de un texto introductorio realizado por el escritor Álex Sánchez y cada obra tiene una poesía escogida por el mismo literato. La exposición estará abierta al público desde el 25 de septiembre hasta el 25 de octubre de 2014, de lunes a viernes de 09:00am a 19:00pm y los sábados de 10:00am a 17:00pm
Un laberinto es un lugar formado artificiosamente por calles y encrucijadas, para confundir a quien se adentre en él, de modo que no pueda acertar con la salida.

EL UNIVERSO DE LAS EMOCIONES · Gaby Costa (Coordinadora, Centro Cultural)
Escudriñar las emociones a través de un camino laberíntico o hurgar los estallidos emocionales, propios del ser humano, no es tarea fácil. En esta exposición, no se trata de eso, pero sí de resaltar esas emociones a través de la pintura, con retratos que plasman las emociones. Cada obra descubre un halo de luz de cada emoción, inherente a cada uno de nosotros.
Si se recorre con la mente y el corazón abierto, esa emoción, las emociones, se convierten en un espejo que responde a ese momento anímico y que también responde acerca de quiénes somos y dónde estamos, qué sentimos en ese o aquel momento. Los sentimientos, desde el más dulce al más esperanzador o al más perturbador, a través de los cuales exploramos nuestra conciencia, nuestra existencia individual, en esta exposición de los retratos de Freddy Coello, esos sentimientos son universalizados y son eternos.

EL CAMINO DEL LABERINTO · Álex Sánchez
Qué son las líneas que corresponden a un rostro, los colores que reafirman un paisaje, los matices que dan un instante o una época. Cada circunstancia, la más trivial puede generar un goce, una emoción estética. Está en el artista esa zozobra de hacerse en el tiempo, de buscar fuera de la cotidiana fragancia un lugar que trascienda y se mantenga en la memoria del arte.
La selección de textos que se ha realizado para la muestra pictórica Laberintos obedece a una situación totalmente subjetiva. Obedece, también, a un gusto netamente personal. Se ha querido, acaso, enriquecer cada obra, ya sublimada por un sentimiento, con unas frases literarias.
De los misceláneos versos cabe aclarar que son su persistencia en la memoria, su fuga hacía ese deleite artístico. Se espera que quien admire cada una de las obras sea llevado por senderos de indómita búsqueda. Que el título de la muestra sea su suerte más placentera. Que por unos momentos nos adentremos en el vértigo de las emociones; que la pintura, que la literatura nos dejen bellamente caóticos dentro de la dulzura de un laberinto.


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http://www.freddycoello.com/

http://www.revistamundodiners.com/?tribe_events=laberintos-de-freddy-coello

Aquellos Cuerpos

Nombre de la obra: Aquellos cuerpos

Autores: Gabriela Punín y Diego Espinosa León

Técnica: Cuero (bioarte) y parafina (cera)

Tipo de soporte: plásticos, mesas, hilos.

Ubicación de la exposición: Centro Cultural PUCE.

Los lojanos Gabriela Punín y Diego Espinosa León, como parte del doctorado en Arte y Diseño entre la Universidad Técnica Particular de Loja (UTPL) y la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAN), realizan la exposición artística gratuita ‘Aquellos Cuerpos’, en el Centro Cultural de la Universidad Católica, muestra que finalizará el 1 de noviembre.

En la exhibición se combina varios elementos como el cuero y la parafina. Punín expone su propuesta, que es considerada por los expertos como una de las más arriesgadas de los últimos años: el Bioarte, que es la unión entre la ciencia y el arte, “por medio del cultivo de bacterias se puede crear varios elementos como piel orgánica (cuero)”.

Punín, que es la pionera en Sudamérica en crear arte a través de bacterias, en su trabajo, denuncia la pérdida de identidad del ser humano. Mientras tanto, Diego Espinosa León tiene una propuesta de imágenes zoomórficas inmersas en la religión a través de una instalación escultórica de parafina, palabra técnica que encierra a la cera. “La intención es que la exposición sea el camino para crear murales abiertos en la capital. La composición de la cera resiste a toda condición climática”, puntualiza Espinosa León.

En esta muestra artística representa el simbolismo de los animales en la cotidianidad de las personas. Estos lojanos reconocen que con la ayuda del Ministerio de Cultura y Cancillería, la muestra pronto llegará a México.
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Goya en Burdeos


Título: Goya en Burdeos

Director/a: Carlos Saura

Guión: Carlos Saura y Nino Quevedo

Año producción: 1999

Duración: largometraje - 99 min

País producción: España

Género: Aventuras

Color o en B/N: Color

Música: Roque Baños

Fotografía: Vittorio Storaro

Sinopsis: A los 82 años, exiliado en Burdeos junto a Leocadia Zorrilla de Weiss, la última de sus amantes, Francisco de Goya, reconstruyte para su hija Rosario, los acontecimientos que marcaron su vida. una vida en la que se suceden convulsiones políticas, pasiones emponzoñadas y el éxtasis de la fama. Recordará al Goya joven y ambicioso que lucha por subir los resbaladizos peldaños de la corte de Carlos IV, donde vivirá el reconocimiento y la fortuna, las intrigas de palacio y el juego de la seducción y la mentira. También rememorará a su único amor, la Duquesa de Alba, una mujer que redibujó su vida y la historia de su tiempo, y cuya existencia quedará truncada por el veneno de las conspiraciones.

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http://moscu.cervantes.es/FichasCultura/Ficha40189_54_1.htm

Aguas Aqueous



Nombre de la obra: Aguas- Aqueous  FRAGMENTOS  DE UN INSTANTE.
Autores: Jorge AnhalzeR  y Silvia Ponce.
Técnica: Fotografia bajo el agua
Ubicación de la exposición: Alianza Francesa.



Jorge Anhalzer, fotógrafo del paisaje, la gente, fauna y flora del Ecuador, ya reconocido del público y del mundo de la fotografía, nos ofrece para la Semana del Agua una selección de imágenes sobre el tema del agua.
Paralelamente, presentamos en conjunto con  la galería Pentasiete, la obra Aquatiqua de la joven artista Silvia Ponce. El agua vive en una constante transformación, la cual segundo a segundo genera formas invisibles para la mirada. Mediante la fotografía, se hace visible lo invisible y se capturan infinitos instantes de magia, plasmando un juego de forma, color y luz.
La Semana Francesa del Agua, co-organizada por la Embajada de Francia en Ecuador, la Cámara de Comercio e Industrias franco-ecuatoriana, la Alianza francesa de Quito, y el Instituto de Investigación para el Desarrollo (IRD), presentará una serie de eventos bajo diversos aspectos:
‘Aguas’ es el nombre de la muestra deAnhalzer, quién es uno de los fotógrafos ecuatorianos de mayor prestigio y trayectoria, además de montañero y piloto de ultraligero. Es un cronista gráfico del paisaje, la gente, la fauna y la flora del Ecuador.
Silvia Ponce, por su parte, inaugurará‘ Aqueous: Fragmentos de un instante’. Ella es fotógrafa y estudiante de la Universidad San Francisco. Ha exhibido en Londres, Australia y Quito. Su exposición, al igual que la de Anhalzer, tiene al agua como temática
Silvia Ponce se ha interesado en la fotografía desde muy temprana edad. La Arquitectura, la Filosofía y una profunda sensibilidad para redefinir  lo desconocido han influenciado sus representaciones en el mundo. Llevándola a exponer en el Ecuador, Londres y Melbourne. Su trabajo va más allá de la fotografía moderna: los retratos, paisajes y variadas escaneas que documenta en formato digital, análogo e incluso Pollaroids dan como resultado una mezcla ecléctica de efectos y sensaciones.
Esta muestra revela la fantasía creada por la adaptabilidad del agua. La fragilidad de aquel instante, propone una muestra ideal para la imaginación y la interpretación.

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En carne viva


Nombre de la obra: En carne viva.
Autores: Andrés Álvarez Álvarez y Raúl Chacón
Técnica: Fotografia y video
Tipo de soporte:reflector, proyección, video, cuadros.
Ubicación de la exposición: Centro de Arte Contemporáneo.


Desde la curaduría de video-arte y fotografía que aborda temáticas GLBTI, la exposición “En carne viva” está compuesta por la serie “Reinas de Quito aquí,ahora” del fotógrafo español Raúl Chacón y Video Out, selección del trabajo de videos-artistas provenientes de Brasil, Chile, Canadá, Francia y Holanda. Este proyecto expositivo busca mostrar las experiencias de sujetos individuales y colectivos que, desde sus experiencias de vida, construyen sus subjetividades y producen discursos y sentidos con una dimensión política que rebasa los límites impuestos por la normatividad social.
Es el trabajo colaborativo entre el Festival de Cine GLBTI Lugar sin límites, el proyecto internacional de investigación y curaduría de prácticas artísticas contemporáneas En la mira y el Centro de Arte Contemporáneo de Quito.
“En carne viva” es un espacio de diálogo y encuentro para que artistas, gestores culturales, estudiantes y profesores de arte, investigadores y público en general reflexionen sobre la realidad de personas con orientación sexual diversa, con el fin de sensibilizar(nos) y cambiar la imagen distorsionada que la sociedad tiene sobre la(s) comunidad(es) GLBTI El objetivo de esta exposición es la puesta en valor del trabajo de varios artistas que proponen desarticular las convenciones sociales sobre lo heteronormado, para mirar la diversidad como un principio de convivencia.

Gestiones colaborativas
A lo largo de 12 años y varias ediciones, el proyecto Festival de cine LGBT El Lugar Sin Límites ha trabajado por la igualdad social de personas de diversa condición sexo genérica en Ecuador. Su objetivo es generar espacios de integración cultural y social, a través de actividades que combinen el conocimiento, entretenimiento y la reflexión en torno a la diversidad de género propia de toda sociedad, con el arte y la cultura como lugares estratégicos en la búsqueda de soluciones de los problemas sociales.

El proyecto internacional En la Mira es un espacio para la investigación y curaduría sobre la producción artística emergente, que coloca a los sujetos –individuales y colectivos- y su subjetividad (es) e identidad(es) como el centro de su reflexión. Este proyecto explora las diversas y múltiples maneras de ser de sujetos que se expresan a sí mismos a través de las prácticas de las artes visuales en varios países.
La muestra permanecerá abierta hasta el 15 de noviembre. El Centro de Arte Contemporáneo está ubicado en Montevideo y Luis Dávila, en el Antiguo Hospital Militar. La entrada es libre.
En carne viva es una propuesta expositiva que forma parte del proyecto. El lugar sin límites, Festival de Cine Lésbico, Gay, Bisexual, Trans e Intersex (LGBTI) y que intenta presentar diferentes perspectivas sobre el cuerpo como un lugar desde donde se construyen subjetividades; subjetividades que están en tensión con normas morales provenientes de las sociedades heteronomadas, las cuales privilegian una visión de la identidad individual desde los binarismos que la construcción de los generos han legitimado a través de la historia.
Las muestras de aquí concurren Video Out y Reinas de Quito, nos presentan diferentes gestos, acciones y experiencias en torno al cuerpo y su capacidad de comunicar nuevas visiones sobre el derecho personal de generar una identidad desde la diferencia. En estos rituales de representación no solo está implícita la conquista de determinadas demandas civiles por parte de los gays, lesbianas, bisexuales trans o intersex, sino la necesidad de hacerse valer como sujetos dentro de a escena social.

Reinas de Quito:
El trabajo fotográfico de Raúl Chacón, con su serie de Reinas de Quito nos aproxime a prácticas que desnaturalizan las normas binarias de género (femenino o masculino) desde la teatralidad o la exageración de elementos identificadores de lo femenino. Las prácticas Drag articulan formas de posicionamiento y construcción de identidades que, mediante lo corpóreo, constituyen estrategias de posicionamiento de impacto subjetivo en la escena social y cultural.
Las Drags Queens retratadas han consolidado este arte de representación por una serie de años en la ciudad de Quito y a cada una la asiste el reconocimiento de su alter identitario. La confrontación de estos rostros se establece a partir de un juego híbrido de referencias provenientes de la historia del arte, de la cultura local y universal, puestas a dialogar de manera des jerarquizada y abierta.

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Ciudad de Dios

Título original: Cidade de Deus.
Titulo traducido al español: Ciudad de Dios
Dirección: Fernando Meirelles
Guión: Bráulio Mantovani; basado en la novela de Paolo Lins
Producción: Globo Films, Lumière, Wild Bunch
Duración: 135 min
Países: Brasil
Año de producción: 2002
Reparto: Alexandre Rodriguez (Buscapé), Leandro Firmino da Hora (Zé Pequeno), Phellipe Haasengen (Bené), Douglas Silva (Dadinho), Jonathan Haasengen (Cabelleira), Matheus Nachtergaele (Sandro Cenoura), Seu Jorge (Mané Galinha)
Montaje: Daniel Rezende
Música: Ed Cortês y Antonio Pinto
Fotografía: César Charlone
Productora:02 Filmes / VideoFilmes. Distribuida por Miramax Films

Sinopsis:
es una película brasileña - basada en una historia real de acción y drama Buscapé tiene 11 años y vive en Ciudad de Dios, un suburbio de Río de Janeiro. A pesar de que la vida en este barrio está dominada por robos, peleas y enfrentamientos diarios con la policía, Buscapé prefiere quedarse al margen. Él sueña con ser fotógrafo. Dadinho tiene su misma edad y también tiene claro su futuro, aunque muy distinto. Ambiciona convertirse en el criminal más famoso de Río de Janeiro. Con el paso del tiempo ambos conseguirán que sus sueños se hagan realidad. Buscapé entrará a trabajar en un periódico y Dadinho, que cambia su nombre por el de Zé Pequeño, se convertirá en el narcotraficante de cocaína más temido y respetado de Río de Janeiro.
La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Muchos de los actores, fueron residentes de favelas El film es contado de una forma no lineal, utilizando diferentes técnicas de edición y tomas de cámaras.

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http://www.edualter.org/material/cinemad2/ciudad.htm

Apocalypse Now

Título original: Apocalypse Now
Título traducido al español: Apocalipsis ahora.
Dirección: Francis Ford Coppola
Producción: Francis Ford Coppola, Kim Aubrey, y otros
Guión: John Milius, Francis Ford Coppola
Música :Carmine Coppola, Francis Ford Coppola, Mickey Hart, The Doors, Richard Wagner, The Rolling Stones
Fotografía: Vittorio Storaro
Rodaje: Islas Filipinas
Año: 1979
Género: Drama bélico
Duración: 153 minutos
          
Es una película bélica dirigida y producida por Francis Ford Coppola en 1979. El guion está basado en El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness), una novela de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX, aunque trasladando la acción a la Guerra de Vietnam. Tuvo también influencia de la película de Werner Herzog Aguirre, der Zorn Gottes (1972).2
La película ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto (Robert Duvall), al mejor guion adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año.

Trama:
El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquel que tiene que matar.
A lo largo de la historia tanto los escenarios como la acción se van volviendo cada vez menos realistas, y adquieren una complicada simbología con referencias a la obra de T. S. Eliot y a mitos referidos en La rama dorada, de James George Frazer. Tiene momentos memorables dentro de la historia del cine, como el inicio, en el que la imagen del capitán Willard, tendido sobre la cama y mirando el ventilador de techo, se une a la de los helicópteros sobrevolando la selva y bombardeándola con napalm, mientras la canción de The Doors, The End, sirve como nexo de unión y da significado a las imágenes. Memorable es también la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean el poblado vietnamita, todo ello ambientado con la música de Wagner, la «Cabalgata de las valquirias», tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes. Destaca también la escena en que Willard es llevado ante Kurtz para ser interrogado, donde se produce una combinación de luz y sombras que ocultan parcialmente el rostro del coronel, simbolizando el lado bueno y el lado oscuro del corazón humano. De hecho la película trata en su trasfondo sobre los procesos mentales y morales que se producen en personas sometidas a condiciones adversas, y cómo estas condiciones afectan de manera diferente a cada uno de los personajes que aparecen, en función de su personalidad, sus actos y su conciencia.

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Te dejo unos links donde puedes obtener más información interesante de la película:
http://www.taringa.net/posts/apuntes-y-monografias/15062074/Curiosidades-sobre-Apocalypse-Now.html